Hiperrealismo.

Agapanto.

Realismo

Arbol.
Paraná Entre Rios.
2017

Flor agapanto y  abeja.
Paraná Entre Rios.
2017

Pimpollo de agapanto.
Paraná Entre Rios.
2017

Hiperrealismo

Hiperrealismo 


¿Qué es?

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el percusor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Precursores mas importantes del Hiperrealismo.

Antonio López

Jason Degraaf 

Edward Hopper 

Don Eddy

David Parrish 

Richard Estes 

Steve Mills 

Pedro Campos 

Hilo Chen 

Alyssa Monks

Roberto Bernardi

Hiperrealismo: Ron Mueck

Biografía

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego desarrolla dentro la industria del cine, la televisión y la publicidad, como realizador de efectos especiales y creador de personajes.

Trabajó en programas de televisión durante años antes de entrar en efectos especiales para cine, como es sabido trabajó en los personajes de Laberinto (1986), un film de culto épico-fantástico protagonizado por David Bowie.

Ron Mueck forma parte de la tradición escultórica donde se representa la figura humana, aunque tanto la temática como los materiales y técnicas utilizadas por él sean innovadoras y contemporáneas. Sus cautivadoras esculturas a diversa escala están llenas de vida, de realismo y misterio.

Mueck utiliza materiales como pinturas de resina, fibra de vidrio, silicona y acrílicos para reproducir fielmente todos los detalles de la anatomía humana y construir esculturas que tematizan la vida y la muerte. Sus obras evocan una especie de realismo que es a la vez íntima y monumental. A diferentes escalas, el artista aumenta o reduce drásticamente el tamaño del cuerpo para crear situaciones que mueven el espectador. 

La textura

LA TEXTURA
Forma en que se presenta la superficie de una obra artística, principalmente pictórica, lo que produce una sensación táctil o visual.

COMO PUEDE SER?
Según el volumen se puede hablar de las siguientes texturas:
Visual: estas texturas son las percibidas por medio de los órganos de la visión. Estas son representaciones gráficas, como fotografías, pinturas o dibujos, por lo que tienen sólo dos dimensiones, por tanto, carecen de relieve. Lo que buscan estas texturas es parecerse a objetos que existen y así transmitir realidad y viveza. Este tipo de textura puede ser logrado, en la pintura, por medio de la luz, el collage, la estampación o el frotado.
Táctil: estas texturas, en cambio, son percibidas tanto con la vista como con el tacto y, a diferencia de las anteriores, sí poseen volumen, por lo que son tridimensionales. Las texturas táctiles de los objetos varían enormemente entre sí, pueden ser suaves, rugosas, lisas, etcétera.

Según el origen de las texturas, estas se clasifican en:
Naturales: estas texturas son propias de las superficies y cuerpos que ofrece la naturaleza, por ejemplo la corteza de un árbol, la piel del elefante.
Artificiales: estas texturas, en cambio, provienen de aquellos objetos y superficies que fueron creados por las personas. Por ejemplo la textura de una mesa o pared de ladrillos.

Rolando Quero - artista plástico

"No concibo una obra sin textura" 

El aserrín, la madera y otros materiales reciclables procedentes de Villa de Cura, estado Aragua, componen el soporte de la obra del artista plástico Rolando Quero, quien visita Barquisimeto por primera vez para dar a conocer su trabajo.
La textura y el color son elementos que definen la propuesta del aragüeño, quien comenzó abordando el oficio de la pintura de manera autodidacta.

Quero tenía veinte años cuando inauguró su primera exposición en la Casa de la Cultura de Valle de la Pascua.
“No tenía estudios previos, era un autodidacta enamorado de las obras de los grandes maestros venezolanos, entre ellos, Tito Salas, Armando Reverón, entre otros. De una u otra forma, esos artistas intervinieron en esas primeras creaciones”, nos dijo Quero en su visita a EL IMPULSO.

Elementos configurativos del lenguaje parte II

¿Que es el color?
El color es una interpretación de las longitudes de onda de la luz emitida o reflejada por un cuerpo y captada por el sistema visual. Esto quiere decir que el color es una sensación que se produce en el cerebro como reacción a la incidencia de los rayos de luz en los ojos.

¿Como se relaciona con Joan Miró?
Los colores y Joan miro se relacionan a través de sus pinturas las cuales manifiestan mucho color y emociones del autor, como el hambre, las cuales se realizaban en el momento de pintarlas, no se planificaban.

Bibliografia
Joan Miró nace en Barcelona en 1893, pero sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón.
Contenido en las formas y en las manifestaciones públicas, es a través del hecho plástico donde Joan Miró muestra su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodean. Este contraste de fuerzas le llevará a crear un lenguaje único y personalísimo que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.


                                             
                                                                    El Gallo - Joan Miró

Elementos configurativos del lenguaje visual

La Linea
Es una susecion de puntos infinitos y contiguos.
Tiene cualidades como:
                                ▷  Forma:
     
                                ▷  Grosor:
    
                                  ▷  Intensidad:

    

                                  ▷   Uniforme:

Significado y significante

El análisis de una obra,  representa una imagen, cuya imagen se divide en significado y significante.

donde el significado consiste en el nombre de esa cosa (ej: FLOR) y el significante es la imagen de cuyo significado que se produce en nuestra memoria cuando oímos la palabra.

Estas divisiones no quedan aisladas por que tiene un conexión, entonces decimos que el significado y el significante conforman SIGNOS-

El signo lingüístico es la combinación de un concepto (significado) y de una imagen acústica (significante), que componen en conjunto una entidad lingüística de dos caras independientes.

El signo arbitrario es  cuando vamos a tomar un sinónimo de un objeto, sabiendo que nos referimos a el. Ej: Vamos por la calle y decimos - que lindo coche - sabemos que queremos el signo arbitrario de "coche" es auto.🌷🌷

ACTIVIDAD EVALUATIVA.



Vassily Kandinsky. 

Wassily Kandinsky.
Vasili Vasílievich Kandinski.

Nació el 5 de diciembre de 1866 en Moscú (Rusia) - Falleció el 13 de diciembre de 1944, en las afueras de París.

Pintor de origen ruso, destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán. 
Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y con céntricos. También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.

En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Análisis de obra

Análisis de obra

• Descripción de la imagen:
  - En la imagen se ve relojes derretidos, un mar, montañas, ramas secas, y un animal muerto.
   
• Identificación de la obra:
  - Qué tipo de obra es: pictórica.
  - La persistencia de la memoria 
  - MOMA. Nueva York - 1931
   
• Análisis temático de la obra:
  - Surrealismo 
  - Decorativa
  - Pintura simbolica
   
• Análisis formal de la obra:
  - Rectangulo de 24x33cm
  - Dalí usa elementos dinámicos como las líneas diagonales( mesa y cabeza) y curvas(relojes) . Hay perspectiva pero el espacio no es natural, no es real.
  Se genera un excelente contraste con el uso de tonos fríos y calidos. El cuadro no esta equilibrado. La línea horizontal del mar al fondo es la que domina y se complementa con la línea horizontal de la rama del árbol. Los objetos del cuadro están bien representados, pero su tamaño y forma no son reales.
  - Aunque se conjeturó que los relojes blandos de fusión fueron el resultado de la interpretación de teoría de la relatividad de Dalí. Dalí afirma que su inspiración fue el queso camembert de fusión bajo el sol. La secuencia de los relojes derretidos en un paisaje desarticulado es la representación de un sueño que Dalí había experimentado, la cifra en el medio de la pintura es la cara del propio soñador. La interpretación general es que la pintura, que representa a muchos relojes de fusión, es un rechazo del tiempo como una influencia sólida y determinista.
  - Oleo, sobre lienzo
  - La técnica de Dalí es precisa. El dibujo es académico, de líneas puras. Dalí pinta con fuerza y contrasta colores brillantes con colores sombres para crear una atmosfera como un sueño. La luz desempeña un poderoso papel y contribuye a configurar una atmósfera onírica y delirante.
  El cuadro parece quedar dividido en una parte de enorme luminosidad –al fondo y a la izquierda– y otra de sombra –primer plano a la derecha–. Respecto al esquema compositivo, predomina la horizontalidad, solo interrumpida por la verticalidad que marca el tronco del árbol y por las líneas curvas de los relojes y de la figura central, que parecen haber sido introducidas para proporcionar un lento movimiento a la quietud de esta playa.
  
   
• Análisis estilístico de la obra:
  - Periodo: Surrealism Period (1929-1940)
  - Las principales características del surrealismo son lo que le atribuyen este nombre: buscar descubrir una realidad alterna, es decir, que no se basara en ninguna secuencia o pensamiento lógico y que no tuviera ninguna explicación razonable. 
  - Salvador Dali.
  - pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.
  
    Su individualismo , su avidez por el dinero , su poca crítica del fascismo y luego su apoyo a Franco le hicieron ser expulsado del movimiento, emigrando a los EEUU. donde su estilo evoluciona hacia el conservadurismo con cuadros de temática religiosa. como ", "El Cristo de San Juan de la Cruz", y " Las tentaciones de San Antonio". 

• Contextualización de la obra:
  - Fue realizada debido que se baso a un queso derretido. 
  - Rasgos que relacionan la obra con su contexto histórico artístico,filosófico

El lenguaje visual como estrategia de representación gráfica

El lenguaje visual como estrategia de representación gráfica

La semiología del arte:

En la década de los sesenta y los setenta el arte es considerado lenguaje y comunicación. Para esto se acudió a los términos de semiología y semiotica.
Semiología: ciencia que estudia la vida de los signos de la lingüística.
Semiotica: es la estética que se apoya en el estudio de los signos para llegar a una precisión o explicación de el arte.
La semiotica como teoría moderna de los signos,tienen un doble origen en las obras de F. de Saussure y de Ch. S. Peirce.
El curso de lingüística general (1916) de Saussure en el que germina la semiotica al plantear el lenguaje como un sistema de signos arbitrareos substituibles de ser estudiados de un modo objetivo y científico. Aquí se plantea dos consideraciones de suma importancia, la primera es la es el Extrucralismo, que establece que el valor de cada palabra se encuentra en la relación con otras palabras que conforman su contexto. La segunda lleva a que la palabra no es un signo simple sino que se constituye en las dimensiones de su forma que siempre es convencional y percibida por los sentidos (significantes) y aquello a lo que se refiere o designa significado.

EL LENGUAJE VISUAL SE DIVIDE EN TRES.

Informativa: se ve cotidianamente en señales indicativas: señal de pare , señal de no estacionar, etc. Y por otro lado, las informativas: escuelas, silla de ruedas, etc.

 




Expresiva: donde se pueden ver sentimientos y emociones.



Estetica: trata de la belleza, ya sea una belleza fea o una belleza atractiva

 FEO


BELLOOOOOO!!

¿QUÉ ES EL LENGUAJE VISUAL?

El lenguaje visual es un sistema de comunicación, que por medio de imágenes  transmite un mensaje.